Orchestre du Centre National des Arts du Canada - Baroque Treasury auf CD

Solomon, HWV 67: Sinfonia »Einzug der Königin von Saba« von Georg Friedrich Händel (1685 – 1759)

»Der Einzug der Königin von Saba« geht auf ein viel größeres Werk zurück, das Oratorium Salomon. Salomo wurde 1749 uraufgeführt und ist ein Bericht über den großen Herrscher, der im zehnten Jahrhundert v. Chr. über Juda und Israel regierte, wie in Chronicles and Kings berichtet. Akt I und II schildern die Macht des Königs, die Pracht seines Hofes und sein berühmtes Urteil im Streit zwischen den beiden angeblichen Müttern eines unehelichen Kindes. Im dritten Akt wird Salomo von der schönen Königin von Saba (oder Saba, einem Land, das heute Jemen entspricht und in der südwestlichen Ecke der Arabischen Halbinsel liegt) besucht. Als passenden Auftakt zu ihrer Ankunft schrieb Händel die brillante, festliche Musik, die wir heute »Die Ankunft [oder den Eingang] der Königin von Saba« nennen, ein Titel, der nicht von Händel, sondern wahrscheinlich vom englischen Dirigenten Sir Thomas Beecham stammt. Dies ist keine stattliche, pompöse Eingangsmusik, sondern eher ein Stimmungsstück, das den Zustand der Aufregung an Salomos Hof verdeutlicht, während das Volk auf die bevorstehende Ankunft der Königin wartet.

Konzert in c-Moll für Oboe und Violine, BWV 1060 von Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)

Zu Bachs Zeiten war es übliche und akzeptierte Praxis, zuvor geschriebene Musik, sowohl die eigene als auch die anderer, für einen unmittelbar neuen Zweck zu transkribieren, zu arrangieren oder anzupassen. Alle Cembalokonzerte Bachs beispielsweise sind Transkriptionen von Konzerten für andere Melodieinstrumente, teilweise auch von anderen Komponisten. Seine sieben Konzerte für Solo-Cembalo und Orchester sowie die sechs für mehrere (zwei, drei oder vier) Cembali wurden in den frühen 1730er-Jahren in Leipzig komponiert, hauptsächlich für das Collegium Musicum, eine locker organisierte Gruppe von Amateurmusikern, die hauptsächlich dort auftraten Zimmermanns Kaffeehaus. Die Originalquelle, auf der Bach sein Konzert in c-Moll für zwei Cembali (BWV 1060) basierte, ist verloren gegangen. Bei dieser Aufnahme handelt es sich um eine Rekonstruktion des vermuteten Originals, das Bach vermutlich um 1720 während seiner Anstellung in Köthen schrieb. Die Unterschiede zwischen den beiden Cembaloversionen und dem vermuteten Original für Violine und Oboe sind nicht schwer vorstellbar: Violine und Oboe können als einstimmige Melodieinstrumente nicht die Akkorde und vollen Klangfülle genießen, die Tasteninstrumenten zur Verfügung stehen, aber andererseits Sie können Lautstärkeabstufungen bieten, die auf dem Cembalo unmöglich wären, sowie ein faszinierendes Zusammenspiel von Farben und Nuancen, das auf zwei Instrumenten gleicher Klangfarbe unerreichbar wäre. Dieses Konzert folgt dem Standardmuster, das hauptsächlich von Vivaldi für das Barockkonzert festgelegt wurde: ein dreisätziges Werk in der Form schnell-langsam-schnell mit dem Schwerpunkt im ersten Satz. Das übliche Orchester bestand nur aus Streichern und (außer im Fall eines Cembalokonzerts) einem Cembalo, um den Klang zu bereichern. Die äußeren Sätze bestanden aus Orchesterritornellen (wiederholte Darbietungen des Eröffnungsmaterials ganz oder teilweise) im Wechsel mit Episoden für das Soloinstrument bzw. die Soloinstrumente. Der zentrale langsame Satz war stets lyrisch und oft stimmlich konzipiert. Im Falle des Konzerts für Oboe und Violine finden wir einen heiteren Dialog von hinreißender Süße, der einen Moment der Ruhe in einer Musik bietet, die ansonsten von großer Energie und Dynamik durchdrungen ist.

Pastorale für Violine und Streichorchester, S. 86 (transc. Ottorino Respighi) von Giuseppe Tartini (1692 – 1770)

Die Karriere des Komponisten, Geigers, Lehrers, Theoretikers, Reisenden und Fechtmeisters Giuseppe Tartini ist eine der berühmtesten in der Musikgeschichte. Zusammen mit Corelli und Vivaldi bildete er eine Art inoffizielles Triumvirat, dessen Einfluss für die über ein Jahrhundert ungebrochene Vormachtstellung der Geige verantwortlich war. Jahre später veranlasste sein starkes Interesse an der Musik vergangener Epochen den italienischen Komponisten Ottorino Respighi (1879-1936), viele seiner bekanntesten Werke zu schreiben, darunter das Ballett La Boutique fantasque (basierend auf Rossinis Musik) und The Birds (altes Cembalo). Stücke) und Ancient Airs and Dances (Lautenmusik des 17. und 18. Jahrhunderts). Respighi transkribierte oder arrangierte auch Stücke vieler barocker Meister, darunter Bach, Vivaldi, Frescobaldi und Tartini. 1908 arrangierte er zwei von Tartinis Violinsonaten für moderne Instrumente. Der Satz in A-Dur ist als Pastorale bekannt, eine relevante Beschreibung, da sein dritter Satz (Largo) an Dudelsäcke erinnernde Borduntöne enthält und auf den Siciliano-Rhythmus eingestellt ist, der traditionell mit Hirtenmusik in Verbindung gebracht wird. Die Violinlinie bleibt mehr oder weniger so, wie Tartini sie gesetzt hat, aber Respighi schuf eine aufwändigere Begleitung für Streichorchester.

Konzert in B-Dur für Violine und Cello, RV 547 von Antonio Vivaldi (1678 – 1741)

Ein Doppelkonzert für Violine und Cello ist eine Rarität. Viele Konzertbesucher kennen Brahms' großartiges Doppelkonzert für dieses Solistenpaar, das mit Abstand berühmteste Beispiel seiner Art im Repertoire. Doch weit über ein Jahrhundert vor Brahms' Konzert hatte Vivaldi drei solcher Werke geschrieben. (Er schrieb auch ein Doppel-Cellokonzert und ein »Doppel«-Doppelkonzert für zwei Violinen und zwei Celli – nichts weniger als vielseitig, dieser Vivaldi!). Beide Solisten werden auf Augenhöhe behandelt und beide erfreuen sich an akrobatischen Sprüngen mit schnellen, weiten Sprüngen und flinken Hüpfern. Sie sind so sehr ein Paar, dass wir sie erst im Finale einzeln und dann nur kurz vorfinden.

Konzert in G-Dur für Bratsche, TWV 51.G9 von Georg Philipp Telemann (1681 – 1767)

Telemann war der renommierteste und erfolgreichste deutsche Komponist seiner Zeit und übertraf sogar Bach an Prestige (Telemann war der erste Kandidat des Leipziger Stadtrats, um die Position dort zu besetzen, aber er war nicht verfügbar, also wurde stattdessen Bach angenommen), Gehalt (Telemann verdiente drei). Mal, was Bach geschaffen hat) und Produktivität (Telemann schrieb mehr als Bach und Händel zusammen). Telemanns Bratschenkonzert gilt allgemein als das erste für dieses Instrument. Wir wissen nicht genau, wann es geschrieben wurde, aber es ist sehr wahrscheinlich, dass es aus der Zeit zwischen 1712 und 1721 stammt. Der Streichersatz ist vierstimmig angelegt, es gibt tänzerische Sätze (der zweite und vierte) und das Konzert vermeidet den kontrapunktischen Stil zugunsten transparenter Texturen, eine Qualität, die besonders angebracht ist, um die sanfte Stimme des Solisten nicht zu überdecken. Der Eröffnungssatz strahlt eine sanfte Wärme aus und ist vor allem deshalb bemerkenswert, weil er aus kaum mehr als einer dreitönigen melodischen Zelle besteht, die im Verlauf des gesamten Satzes wiederholt und variiert wird. Der zweite Satz bietet dem Solisten zahlreiche Möglichkeiten, technische Fähigkeiten unter Beweis zu stellen. Das düstere, aber elegante Andante in e-Moll zeichnet sich durch das Fehlen einer Bassstimme (Celli und Continuo) in den Solopassagen aus, sodass die Bratsche auch in Begleitung des Streichorchesters hervorstechen kann. Das Konzert endet mit einem lebhaften Presto im Geiste einer französischen Bourrée, einem stilisierten Tanz im schnellen Zweiertakt und einem einzelnen Auftakt, wie er im 17. Jahrhundert üblich war.

Orchestersuite Nr. 3 in D-Dur, BWV 1068 (Fassung zusammengestellt von P. Traugott) von Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)

Vier von Bachs Orchestersuiten sind uns überliefert, obwohl er möglicherweise noch weitere geschrieben hat, die heute verloren sind. Jedes Stück ist eine großartige Leistung: Es beginnt mit einer majestätischen, kunstvollen Ouvertüre und wird mit einer Reihe kontrastreicher kürzerer Sätze fortgesetzt, die größtenteils tänzerischen Charakter haben. Jede Suite ist für eine andere Instrumentenkombination geschrieben (obwohl Nr. 3 und 4 nahezu gleich sind). Bach selbst nannte diese Werke nicht »Suiten«. Er verwendete den Begriff »Ouvertüre«, und die französische Schreibweise war beabsichtigt, da der Eröffnungssatz den festlichen französischen Ouvertüren von Jean-Baptiste Lully (1632–1687) nachempfunden war. Die Lully-Ouvertüre war lang, gewichtig, beeindruckend und bestand normalerweise aus drei zusammenhängenden Teilen: 1) einem stattlichen, ernsten Abschnitt, der durch ein langsames Tempo, eine majestätische Aura und viel Verwendung des sogenannten »punktierten« Rhythmus (ein Notationsgerät, das zu einem führt) gekennzeichnet ist Wechsel von langen und kurzen Notenwerten); 2) eine lebhafte Allegro-Passage mit viel Imitation zwischen den Stimmen und einer komplexen polyphonen Struktur; 3) eine Rückkehr des Eröffnungsgrababschnitts. Da die Ouvertüre bei weitem der längste und gehaltvollste Satz der Orchestersuiten war, übernahm Bach das literarische Mittel der Synekdoche – einen Teil für das Ganze stehen zu lassen. Das berühmte Air steht in der Dritten Suite allein wegen des Fehlens von Blasinstrumenten da. Trompeten, Oboen und Pauken kehren in all ihrer Pracht und Brillanz für das Gavottenpaar zurück. Dann folgt ein weiterer französischer Tanz im Zweiertakt, der Bourrée, der etwas schneller ist und nur eine Viertelnote, in diesem Fall zwei Achtelnoten, als Auftakt hat. Der festliche, äußerst extrovertierte Charakter der Dritten Suite (mit Ausnahme der Air) setzt sich bis zur letzten Nummer fort, bei der es sich um eine Gigue handelt – normalerweise eine schnelle und leichtfüßige Nummer im 6 / 8-Takt (oft nach einem Lang-Kurz-Rhythmusmuster), hier jedoch eher von einer herrschaftlich-zeremoniellen Gleitwirkung.

© Robert Markow