James Ehnes - French Showpieces on CD

Im Paris des 19. Jahrhunderts wurden die meisten Musikgenres in hohem Maße von der Oper, ihren exotischen Themen und attraktiven Melodien beeinflusst. Aber Musikliebhaber dieser Zeit und dieses Ortes waren auch von hochbegabten Solisten begeistert und hatten einen großen Appetit auf die Zurschaustellung technischer Fähigkeiten und des musikalischen Ausdrucks.

Der vielleicht bekannteste Geiger dieser Zeit ist Niccolo Paganini (1782-1840), von dem Gerüchten zufolge vom Teufel besessen gewesen sein soll. Ihm folgte die Generation von Henry Vieuxtemps (1820–1881) und Henryk Wieniawski (1835–1880), die beide über weitreichende Verbindungen nach Russland und dem übrigen Europa verfügten. Letzterem wird eine Hochdruck-Bogentechnik zugeschrieben, die als »russischer« Bogengriff bezeichnet wird. Der Reichtum des resultierenden Timbres entsprach wahrscheinlich nicht dem Geschmack von Pablo Sarasate (1844-1908), dessen Talent Berichten zufolge darin bestand, ein hervorragendes, silbernes, hohes Register zu erzeugen und Adaptionen spanischer Tänze für Konzertsäle und Salons zu komponieren . Last but not least war dieser große Verteidiger der zeitgenössischen Musik, Eugène Ysaí¿e (1858-1931).

Wie die meisten Komponisten seiner Generation hegte auch Hector Berlioz (1803-1869) den großen Wunsch, Opern zu schreiben, ein Vorhaben, das nach der Uraufführung seines ersten Werks dieser Gattung jedoch völlig vereitelt wurde. Dennoch durchdringt seine Begabung für musikalische Darstellung und Dramatik seine Konzertwerke. Berlioz hatte auch regelmäßigen Kontakt mit den Virtuosen seiner Zeit. Er lobte und bewunderte die Kompositionen von Vieuxtemps, widmete ihm Romeo und Julia und komponierte Harold in Italien für Paganini. Berlioz' Liebe zur Oper und sein Wissen über virtuoses Schreiben vereinen sich in der Rêverie et caprice, einer Bearbeitung einer Cavatina, die aus Benvenuto Cellini stammt. Le Corsaire ist ein Beweis für Berlioz' Genie für brillante Orchestrierung und beschwört den emotionalen, aber abenteuerlichen Fluss des Lebens eines byronesken Helden vor der Kulisse des Mittelmeers herauf.

Berlioz' Freund Camille Saint-Saêns (1835–1921) verzauberte das Publikum als begabter Klaviervirtuose, lange bevor er ein äußerst produktiver und beliebter Komponist wurde oder überhaupt über sein berühmtestes Werk, die Oper Samson et Dalila (1868–77), nachdachte. Vielleicht war es diese Erfahrung, die ihn lehrte, Konzertmusik für Solisten zu schreiben, die Künstler, Publikum und sogar einige Kritiker zufriedenstellte. Saint-Saêns war mit George Bridgetower bekannt (der Beethovens »Kreutzer«-Sonate uraufführte) und außerdem ein langjähriger Freund von Sarasate, dem die Introduction et Rondo Capriccioso gewidmet ist. Sicherlich kann Saint-Saêns zu den Bekehrten des Virtuosen zur spanisch geprägten Musik gezählt werden: Mehrere seiner Werke weisen Anzeichen dieses Einflusses auf, beispielsweise das Rondo Capriccioso, und vier weitere Stücke waren direkt von der iberischen Volksmusik inspiriert, darunter die Havanaise. Im ersten Werk leitet eine langsame Einleitung, gefolgt von Trillern in absteigenden Sequenzen, das spanische Rondo-Thema ein, das aus einer koketten, synkopierten Melodie besteht, die über marschierenden Staccato-Streichern hervorgebracht wird. Im Laufe des Stücks kommt es immer wieder zu Wiederholungen dieses tänzerischen Rondos, gefolgt von einer lyrischeren Melodie.

Dies ist bei der Havanaise nicht der Fall. Obwohl es eindeutig dem kubanischen Tanz nachempfunden ist und häufig eine Hauptmelodie wiederkehrt, vermittelt es durch lange Passagen ununterbrochener Lyrik, subtiles dynamisches Spiel und den allmählichen Aufstieg in das Altissimo-Register der Violine gegen Ende des Stücks ein größeres Gefühl der Nostalgie arbeiten. Hier präsentiert Saint-Saêns eher eine sentimentale Erinnerung an den Tanz als eine lebhafte Darstellung davon – eine flüchtige Melodie, die sich schließlich im stockenden Takt einer erdenden Pauke verflüssigt und verflüchtigt.

Mehr als ein Jahrzehnt später brachte Claude Debussy auch einen Tanz aus südlicherem Gefilde auf die Bühne. Wie die Werke von Saint-Saêns und Milhaud strahlt Debussys neapolitanische Tarentelle Styrienne Energie durch eine temperamentvolle Rondoform und ein flottes Tempo aus. Eine prickelnde Verbindung verschiedener Rhythmen wird hier in die zusätzlichen Klangfarben von Maurice Ravels Orchestrierung von 1923 gekleidet.

Darius Milhaud brauchte keine Umstellung auf spanische Musik. Nach einer Reise nach Südamerika konzipierte er ein Begleitwerk zu einem der Stummfilme von Charlie Chaplin, hier das Cinéma Fantaisie. Dieses Stück wurde schließlich in das Spektakel integriert, das nach einem brasilianischen Lied, Le Bœuf Sur le Toit, benannt ist. In seiner Autobiografie beschrieb Milhaud das Stück als ein Arrangement aus »einigen populären Melodien, Tangos, Maxixen, Sambas und sogar einem portugiesischen Fado … mit einem rondoartigen Thema, das zwischen jedem aufeinanderfolgenden Paar wiederkehrt«. Die Musik ist rasant, manchmal frenetisch, eine französische Avantgarde-Interpretation dessen, was Saint-Saêns tatsächlich als exotisches Material angesehen hätte.

Jules Massenet (1842-1912), heute vor allem für die Oper Manon Lescaut bekannt, war ein äußerst produktiver Komponist. Er war mit mehreren der auf dieser CD vorgestellten Komponisten verbunden – er und Saint-Saêns gehörten zum Pariser Wagner-Kreis und Ernest Chausson war sein Schüler. Massenets Fähigkeit, für Gesangsvirtuosen zu schreiben, findet in der Méditation eine andere Ausdruckskraft als in der Oper Thaïs.

Umrahmt von erhaben lyrischen Abschnitten schildert dieses Zwischenspiel Thaïs' inneren Konflikt oder, in den historischen Worten von Ernest Newman, »den Kampf, der in ihr in diesen langen Nachtstunden des einsamen Grübelns zwischen alten Leidenschaften und gegenwärtigem Bedauern und Sehnsüchten tobt.«

Es sollte nicht überraschen, dass Ernest Chaussons (1855-1899) »Poème« zu einem großen Favoriten im Violinrepertoire geworden ist. Zunächst wurde es für Ysaí¿e geschrieben. Zweitens handelt es sich um ein äußerst eindrucksvolles Werk, das auf Turgenjews Kurzgeschichte Le Chant de l'amour triomphant basiert und mit Harmonien und Melodien die Geschichte der unerwiderten Liebe eines Musikers, exotischer Reisen in den Fernen Osten und des berauschenden Rausches eines Musikers erzählt vollmundiger Shiraz-Wein. Drittens wurde es von einer von Ysaí¿es eigenen Kompositionen, dem Poème Élégiaque, inspiriert. Unnötig zu erwähnen, dass es sofort ein Erfolg wurde – Chaussons erstes.

Diese symphonische Dichtung besteht aus fünf ununterbrochenen Abschnitten, die von zwei wiederkehrenden Melodien dominiert werden. Der erste wird nach einigen ruhigen Orchestergrübelungen der Solovioline eingeleitet, die vom Orchester sofort wiederholt werden. Es wiederholt sich dann im dritten und letzten Abschnitt des Werks. Diese erste Melodie ist von Natur aus sehr lyrisch und im singenden Dreiertakt geschrieben und scheint eindeutig das Lied eines jungen Liebhabers darzustellen. Unvollständige und sich entwickelnde Abschnitte einer anderen Melodie beginnen im zweiten, lebhafteren Abschnitt aufzutauchen, der erst im vierten Abschnitt zu einer erkennbaren musikalischen Einheit erstarrt, wo die üppigen Schläge der Harfe, gefolgt von einem bedrohlichen Einsatz der Trompeten, dies ankündigen beeindruckenden Höhepunkt des Werkes. Der (tanzartige) 6 / 8-Takt des zweiten Motivs vermittelt ein starkes Bewegungsgefühl, das durch die leisen Triller und den Abstieg aus dem oberen Register der Violine, die das Werk abschließen, gemildert wird.

© Catrina Flint de Médicis,