Henry Threadgill: Cut You Where You Was auf LP

Mit „Cut You Where You Was“ kehrt der Komponist, Saxophonist und Flötist Henry Threadgill zu seiner Stammband Zooid zurück – jenem Ensemble, das seit über einem Vierteljahrhundert das zentrale Labor für viele seiner wichtigsten musikalischen Erkundungen bildet. Es ist die am längsten bestehende Arbeitsgruppe seiner bemerkenswerten Karriere, deren Werk ihm 2016 den Pulitzer-Preis für Musik für ihr Album „In for a Penny, In for a Pound“ einbrachte. Das neue Album ist ihre erste Veröffentlichung seit „Poof“ aus dem Jahr 2021, das laut Downbeat „neuartige Gefilde erkundet, unser Empfinden von Dimensionen und Werten infrage stellt, aber völlig neue musikalische Welten erschafft“. Die Bandmitglieder bleiben ihrem gemeinsamen Ziel treu: die Gründungsmitglieder Liberty Ellman an der Gitarre und Jose Davila an Tuba und Posaune, Elliot Humberto Kavee am Schlagzeug fast seit Beginn und Cellist Christopher Hoffman seit über 15 Jahren, während Threadgill Altsaxophon und Flöte spielt. Diese Musiker haben Jahre damit verbracht, diese Musik nicht nur aufzuführen, sondern sie auch zu durchdringen – sich in Strukturen zurechtzufinden, die sich ständig verändern, sodass jede Entscheidung das Gleichgewicht des Ganzen beeinflusst. Sie sind ein seltenes Beispiel für ein Ensemble, dessen langjähriges Bestehen nie zu Routine geführt hat. Stattdessen hat es eine kollektive Vertrautheit hervorgebracht, die Threadgills Musik immer flexibler, unvorhersehbarer und lebendiger macht.

Seit über sechs Jahrzehnten hat Threadgill eines der individuellsten Werke der zeitgenössischen Musik geschaffen und eine Kompositionssprache entwickelt, die sich stilistischen Kategorien entzieht und gleichzeitig ihre eigene innere Logik stetig erweitert. Obwohl er so illustre Gruppen wie Air, Sextett, Very Very Circus und Make a Move geleitet hat, war Zooid im 21. Jahrhundert seine wichtigste Muse für die Weiterentwicklung seiner Musik, einschließlich seines intervallbasierten Kompositionssystems – ein Ansatz, der harmonische Beziehungen neu interpretiert und den Musikern außergewöhnliche Freiheit bei deren Gestaltung gewährt. Die Beständigkeit dieses Ensembles hat etwas still Radikales an sich: In einer Ära, die von Projekten für einmalige Momente geprägt ist, verkörpert Zooid die gegenteilige Philosophie: langfristige Treue als künstlerische Notwendigkeit. Ihr Name – abgeleitet vom biologischen Begriff für ein einzelnes Tier, das sich mit anderen zu einem einzigen Organismus verbindet – ist heute treffender denn je. Zooid zuzuhören, fühlt sich an, als würde man einem lebenden Organismus bei der ständigen Neuorganisation zusehen. Die Rollen sind nicht hierarchisch, jeder Musiker teilt sich melodische, harmonische, rhythmische und architektonische Funktionen. Die einzelnen Stimmen bleiben völlig unabhängig und tragen dennoch zu einer unverkennbaren kollektiven Dynamik bei.

Threadgill spricht mit einer Mischung aus Bewunderung und Dankbarkeit über die Band: „Diese Musik erfordert echtes Engagement. Man kann sie gar nicht spielen, wenn man nicht 100 Prozent gibt. Alle spielen mittlerweile auf einem so hohen Niveau und mit einer solchen Leichtigkeit, dass die Musik fast wie ein Gespräch klingt. Da findet regelrechte Telepathie statt.“ Und doch: Niemand beherrscht diese Musik jemals wirklich. Die Stücke sind bewusst instabil und schwer fassbar angelegt und erfordern von allen Beteiligten ständige Neubewertung. Die Partitur bietet einen Rahmen, doch die Umsetzung liegt in den Händen von Musikern, die mehrere Möglichkeiten gleichzeitig wahrnehmen können. Zooid ist genau zu einem solchen Ensemble geworden: eines, dessen Virtuosität weniger in der Ausführung als in der kollektiven Wahrnehmung und der Erweiterung des musikalischen Potenzials für größere Wagnisse liegt.

Im Zentrum steht Threadgill selbst – nicht als Dirigent oder Solist, sondern als gleichberechtigter Teilnehmer, Impulsgeber und ständige Quelle der Überraschung. Man hört ihn weiterhin als Improvisator von außergewöhnlicher Dringlichkeit. Sein Altsaxophon behält seine unverwechselbare Klangqualität: ein Klang, der die Essenz des Blues, Fragmente von Gospel-Zeugnissen, plötzlichen Humor, tiefe Lyrik und verblüffende Abstraktion in einem Atemzug transportieren kann. Sein Flötenspiel eröffnet völlig neue Dimensionen von Klangfarbe und Raum und lenkt die musikalische Richtung des Ensembles oft mit bemerkenswerter Ökonomie.

Die Kompositionen des Albums zeigen Threadgills Weiterentwicklung der rhythmischen Komplexität, die seit Langem ein wichtiges Merkmal seiner Musik ist, durch den Einsatz variierender Taktarten. Es zeugt von Zooids Beherrschung der musikalischen Sprache, dass die Musik – trotz der sich überlappenden Rhythmen, die selten in klare Muster münden – mit Schwung und einem ganz eigenen, unkonventionellen Swing vorangetrieben wird. Bemerkenswert ist auch die Vielzahl kurzer Stücke von jeweils etwa zwei Minuten Länge. Diese sind inspiriert von Threadgills Faszination für frühe Aufnahmetechniken, insbesondere für die Phonographenwalze, auch bekannt als Edison-Zylinder, die das erste weit verbreitete Medium zur Wiedergabe von Tonaufnahmen darstellte. Ihre kurze Aufnahmedauer zwingt jeden Musiker, seine Aussagen schnell zu präsentieren. Threadgill erklärt: „Man kann sich nicht Zeit lassen, um zum Punkt zu kommen, denn es gibt keinen zweiten Refrain. Es gibt nur wenige Möglichkeiten.“