New Jewish Music Vol.2 on CD

Die Azrieli-Musikpreise (AMP)

Die Azrieli Music Prizes (AMP) wurden 2014 von der Azrieli Foundation ins Leben gerufen und bieten Möglichkeiten zur Entdeckung, Schaffung, Aufführung und Würdigung herausragender Leistungen in der Musikkomposition.

Zwei internationale Preise würdigen herausragende Leistungen in der neuen jüdischen Musik: Der Azrieli-Preis für jüdische Musik wird an einen Komponisten verliehen, der das beste neue Hauptwerk geschrieben hat, und die Azrieli-Kommission für jüdische Musik wird verliehen, um Komponisten zu ermutigen, sich kreativ und kritisch mit der Frage auseinanderzusetzen »Was ist jüdische Musik?«

Die Azrieli Commission for Canadian Music wurde 2019 gegründet, um kanadische Komponisten bei der Schaffung neuer Musikwerke zu engagieren, die sich kreativ und kritisch mit den Herausforderungen des heutigen Komponierens von Konzertmusik in Kanada auseinandersetzen.

Partituren, Vorschläge und Belege für die alle zwei Jahre stattfindenden Preise werden von Nominatoren und einzelnen Komponisten aller Glaubensrichtungen, Altersgruppen, Hintergründe und Zugehörigkeiten angenommen. Die Gewinnerbeiträge für die jüdischen Preise werden von der AMP-Jury für jüdische Musik ausgewählt. Die kanadische Kommission wird von der AMP-Jury für kanadische Musik ausgewählt. Beide Jurys bestehen aus einem Pool führender Experten aus den Bereichen Musikschaffen, Performance und Forschung.

Alle drei Preise werden an Komponisten verliehen, deren Werke ein Höchstmaß an Kreativität, Kunstfertigkeit und musikalischer Exzellenz aufweisen. Die Gewinner erhalten einen Geldpreis von 50.000 US-Dollar, die Premiere ihres preisgekrönten Werks in Montréal, anschließende internationale Aufführungen und eine kommerzielle Aufnahme ihres Werks auf dem Label Analekta.

Weitere Ziele von AMP bestehen darin, die breite Öffentlichkeit über die universelle Anziehungskraft und künstlerische Bedeutung sowohl jüdischer als auch kanadischer Musik aufzuklären, sei es durch Live-Auftritte, Aufnahmen, Komponistengespräche, Podiumsdiskussionen oder andere verwandte Programme. Erfahren Sie mehr über die Azrieli-Musikpreise unter azrielifoundation. org.

En el escuro es todo uno (In the Darkness All is One) von Kelly-Marie Murphy

Kelly-Marie Murphys umfangreicher Katalog umfasst konzertierte Werke für Harfe und Orchester (And Then at Night I Paint the Stars, 2002) sowie für Cello und Orchester (This is the Colour of My Dreams, 1997). Nun vereint sie diese beiden Soloinstrumente in einer einzigen Komposition, einem Doppelkonzert für Harfe und Cello mit dem Titel En el escuro es todo uno (In der Dunkelheit ist alles eins). Dieses mit der Azrieli-Kommission 2018 ausgezeichnete Werk wurde vom McGill Chamber Orchestra (heute Orchestre classique de Montréal) unter der Leitung von Yoav Talmi beim Azrieli-Musikpreiskonzert 2018 in Montréal am 15. Oktober 2018 uraufgeführt. Die Solisten waren Rachel Mercer ( Cello) und Erica Goodman (Harfe).

Auch wenn es vielleicht kein zweites Konzert dieser Art gibt, gibt es doch ein Duo dieser beiden Instrumente namens Couloir, bestehend aus der Harfenistin Heidi Krutzen und dem Cellisten Ariel Barnes. Beim Komponieren des Werks hatte Murphy das Couloir im Sinn, und es ist ihre Darbietung, die diese Aufnahme ziert.

Der Titel des Werks stammt von einem sephardischen Sprichwort, das, in Murphys Worten, »uns dazu ermutigt, zu verstehen, dass wir alle gleich sind; wenn man die Fesseln der Gesellschaft und der Wirtschaft entfernt, sind wir uns ähnlicher als wir unterschiedlich sind.« Jeder der vier Sätze verwendet Als Quelle diente Musik aus der sephardischen Tradition, insbesondere ladinische Volkslieder [die Sprache der spanischen und portugiesischen Juden]. Ich wählte Lieder aus, die irgendwie mit dem Leben von Frauen und der Bedeutung von »Mutter« zu tun hatten. Das Konzept kann so wörtlich sein wie die Bedeutung der Mutter für die Kinder oder so umfassend wie die Bedeutung Israels als Mutter des Glaubens.‹

Der erste Satz des Konzerts verwendet eine Lamenta aus Bulgarien. Es sei ›größtenteils langsam und lyrisch‹, sagt der Komponist. ›Die Lyrik wird oft durch eine laute, rhythmische, gezackte Linie unterbrochen. Wir registrieren diese Unterbrechungen, machen aber mit dem Fortschreiten der Ereignisse weiter. Dies zeigt, wie wir in der Lage sind, Brutalität und Traurigkeit in unserem eigenen Leben und unserer Geschichte anzuerkennen und uns von ihnen abzuwenden.‹ .» Die Eröffnungsworte lauten: ›Mutter, Mutter, Regen fällt vom Himmel. Tränen fallen mir aus den Augen.‹

›Si veriash a la rana ist ein ladinisches Kinderlied, das in der Türkei und auf dem Balkan vorkommt‹, fährt Murphy fort. ›Es ist ein schnelles, rhythmisches und humorvolles Lehrlied, das Mädchen zeigt, wie sie die Aufgaben in der Küche genießen können, und sie daran erinnert, dass sie diese Aufgaben mit ihren Schwestern teilen.‹ Nach einer solistischen Eröffnung, die auf Gebetsmodi basiert, beginnt dieser zweite Satz mit einem tänzerischen Abschnitt, der das Volkslied vorstellt.

Der dritte Satz (Yigdal) ist eine Kadenz für die beiden Soloinstrumente plus Vibraphon. Es ist modaler Natur und enthält Elemente der Yigdal-Hymne, die oft zum Abschluss des Freitagabendgottesdienstes verwendet wird und in Konstantinopel gesungen wird.

Der letzte Satz basiert auf zwei Liedern: Noches, noches, buenos noches (eine Romanze, höchstwahrscheinlich aus Sarajevo) und Ven Chicka Nazlia (›Komm, kleine Neckerei‹, ein lustiges, kokettes Lied, höchstwahrscheinlich aus der Türkei). Der Satz setzt ohne Pause unmittelbar im Anschluss an die Kadenz ein. Der erste Teil, langsam und atmosphärisch, besteht aus einer kanonischen Darstellung des Themas aus Noches, noches. Der Rest des Satzes basiert auf der schnellen und erhebenden Melodie von Ven Chicka Nazlia und bildet den mitreißenden Abschluss des Konzerts.

Nigunim (Violinkonzert Nr. 2) von Avner Dorman

Avner Dormans Nigunim (Dritte Violinsonate) wurde 2011 in New York von Gil und Orli Shaham uraufgeführt, für die es geschrieben wurde. Im Jahr 2014 orchestrierte der Komponist den Klavierpart und überarbeitete ihn 2017 stark, sodass Nigunim 2018 den Azrieli-Preis für jüdische Musik gewann. Die Uraufführung dieser orchestrierten Fassung erfolgte durch das McGill Chamber Orchestra (heute Orchestre classique de Montréal) unter der Leitung von Yoav Talmi beim Azrieli Music Prizes-Konzert 2018. Solistin war die Geigerin Lara St. John.

In dieser Musik, sagt der Komponist, ›habe ich versucht, durch Orchesterfarben mehr von den volkstümlichen Elementen und der rhythmischen Vielfalt der Sonate in den Vordergrund zu rücken, oft durch den Einsatz von Instrumenten in ungewöhnlichen Tonlagen und mit unorthodoxen Aufführungstechniken. Ich denke, die größte Herausforderung bestand darin, sie zu bewahren.‹ die Rolle des ursprünglichen Klavierparts übernehmen, ohne die Violine zu überfordern und eine Ausgewogenheit zu wahren, die das Stück wie ein echtes Konzert klingen lässt.

Nigunim (der Plural von nigun, auch niggun geschrieben) sind eine Art jüdischer religiöser Lieder, die weitgehend improvisatorischer Natur sind und häufig sich wiederholende Laute wie ›bam-bam-bam‹ oder ›doi-doi-doi‹ enthalten. Der Ton kann traurig und hingebungsvoll oder freudig und triumphierend sein. Dr. James Loeffler stellt auf der Website myjewishlearning. com fest, dass Nigunim ›oft als mystische musikalische Gebete oder eine spirituelle Sprache jenseits von Worten beschrieben werden. Es handelt sich um Lieder, die aus mehreren melodischen Phrasen bestehen und typischerweise ohne Instrumentalbegleitung und ohne Worte gesungen werden.‹ werden ›in einem unverwechselbaren ausdrucksstarken Gesangsstil mit dramatischen Wendungen aufgeführt, die der Kantorialmusik ähneln, die mit den jiddischen Wörtern krekhts (wörtlich: Stöhnen, Seufzen oder Schluchzen) und kneytsh (kneifen) bezeichnet wird.‹

Dorman schreibt, dass ich mich bei der Vorbereitung auf die Komposition seines Nigunim ›entschlossen habe, die Musik verschiedener jüdischer Traditionen aus verschiedenen Teilen der Welt zu erforschen und zu untersuchen, wie sie sich auf größere lokale Musiktraditionen beziehen. Zu meiner Überraschung stellte ich fest, dass es einige gemeinsame musikalische Elemente gibt.‹ zu nordafrikanischen jüdischen Kantillationen, zentralasiatischen jüdischen Hochzeitsliedern, Klezmer-Musik und aschkenatischen Gebeten. Obwohl ich für Nigunim keine vorhandenen jüdischen Melodien verwendet habe, sind die Hauptmodi und melodischen Gesten des Stücks aus diesen gemeinsamen Elementen abgeleitet. Darüber hinaus sind sie unterschiedlich Teile des Stücks basieren auf lokalen nichtjüdischen Musiktraditionen jeder dieser Regionen. Beispielsweise verwendet der zweite Satz Prinzipien, die in georgischen Volksrhythmen und -harmonien zu finden sind, und der vierte ist von mazedonischen Tänzen inspiriert.

Sieben Tableaux aus dem Hohelied von Srul Irving Glick, arrangiert für Sopran, Klavier und Streichorchester von François Vallières

Das biblische Hohelied (d. h. das beste aller Lieder) besteht aus acht Kapiteln Liebesgedichte, die das Geheimnis und die Kraft der menschlichen Liebe und des sexuellen Verlangens feiern, die als Geschenke Gottes angesehen werden. Das Alte Testament schreibt diese Texte Salomo zu, obwohl ihr Erzähler (›Der Geliebte‹) nicht Salomo selbst ist. Tatsächlich wird er kaum erwähnt; Dennoch sind sein Vermächtnis als Mann von großer Weisheit und seine Liebe zum Lernen deutlich zu erkennen.

Die Liebe des Paares im Hohelied dient als wirkungsvolle Metapher für Gottes transzendente Liebe, die eines Tages die ganze Welt prägen wird. Gibt es für einen Mann unserer Zeit einen besseren Weg, einen Meilenstein in seiner Ehe zu feiern, als einen prominenten Komponisten zu bitten, eine Auswahl dieser Texte als Ausdruck der Liebe zu seiner Frau zu vertonen? Genau das tat Dr. Garson S. Conn zu Ehren seiner Frau Jean anlässlich ihres 30-jährigen Jubiläums, indem er Glick bat, seine Sieben Tableaus aus dem Hohelied zu schreiben. Die Provisionsgebühr wurde von der Laidlaw Foundation auf Anfrage von Syrinx Concerts Toronto geteilt. Widmungsträgerin des Werks war die ›liebe Freundin‹ des Komponisten, Sara Wunch, die er später heiratete.

Seven Tableaux aus The Song of Songs wurde 1992 komponiert und am 28. November 1992 im Jane Mallett Theatre in Toronto uraufgeführt. Die ursprüngliche Besetzung war für Sopran und Klaviertrio, in dieser Form wurde Valerie Sirén (Sopran) uraufgeführt. , Luiz Grinhaus (Violine), Leo Grinhauz (Cello) und Berta Rosenohl-Grinhauz (Klavier). Anfang 2019 arrangierte François Vallières die Partitur für Gesang, Klavier und Streichorchester eigens für diese Aufnahme.

Wie seine großen Vorgänger im Liedbereich, Schubert und Schumann, verwendet Glick unterschiedliche rhythmische oder melodische Motive, um jedem Lied einen einzigartigen Charakter zu verleihen. Er verwendet auch instrumentale Präludien, Zwischenspiele und Nachspiele, um Textpassagen zu trennen. Beim Erscheinen der Gesangslinie fungiert die Instrumentalkomponente nicht als bloße Begleitung, sondern als Partner der Stimme. Die Gesangslinien sind dankbar und zärtlich lyrisch, passend zum Thema. Aufführungsanweisungen wie ›liebevoll‹, ›ausdrucksstark‹, ›mit Intensität‹, ›überschwänglich‹ und ›gelassen, mit innerer Leidenschaft‹ unterstreichen zusätzlich die Sensibilität des Komponisten für die Qualität und Aussage der von ihm vertonten Texte.

Maestro Boris Brott hat Dr. Azrielis Vorbereitung auf die Aufnahme als ›gewissenhaft, detailliert und klug‹ bezeichnet. Sie hat jeder Phrase Nuancen und Gefühl verliehen. Es ist definitiv die bisher beste Interpretation von Glicks Partitur und ich bin stolz auf unsere gemeinsame Arbeit daran.«