New Jewish Music Vol.1 on CD

»The Seven Heavenly Halls« des kanadischen Komponisten Brian Current ist das Ergebnis seiner Ernennung zum Gewinner der ersten Azrieli-Kommission im September 2015. Das Werk wurde am 19. Oktober 2016 im Maison symphonique vom Orchestre symphonique de Montréal mit dem Tenor Frederic Antoun als Solist uraufgeführt Kent Nagano dirigiert.

Der Komponist Brian Current beschreibt The Seven Heavenly Halls folgendermaßen: »Ich begann mich für den Zohar (das Buch der Erleuchtung) zu interessieren, als ich nach Texten für The River of Light recherchierte, einem groß angelegten mehrsätzigen Oratorium für Chor, Orchester und Solisten. Der Name.« Der Zyklus stammt aus Dantes Paradiso, wo der Pilger in den leuchtenden Kern des Himmels eindringt und erklärt: »Und ich sah ein Licht in Form eines Flusses, strahlend wie Gold, zwischen Ufern, die mit wundersamen Quellen bemalt waren.« Mein häufiger Mitarbeiter und Librettist Anton Piatigorsky machte mich mit dem Sohar (Rabbi Moses de Leon [1250-1305] zugeschrieben) bekannt, den er als das zentralste Buch der Kabbala und den geheimnisvollsten jüdischen mystischen Text beschrieb. Ich hörte sofort turbulente und gestische Musik voller Orchesterfarben.

»Noch inspirierender und voller musikalischer Möglichkeiten war der Verweis des Zohar auf die sieben himmlischen Hallen, eine Reihe ekstatischer Bühnen, in denen jede Vision durch eine andere Farbe gekennzeichnet ist. Nachdem er durch jede der farbigen Hallen gegangen ist, wird ein mystischer Reisender, ähnlich wie … Dantes Pilger tritt in einen siebten und ›farblosen‹ Zustand ein: nicht weiß, nicht schwarz, nicht rot, nicht grün, überhaupt keine Farbe. Wenn sich ein Band spannte, ergab es strahlende Farben. Ich stellte mir ein Stück vor, das aus sieben dargestellten ekstatischen Stufen bestand durch unterschiedliche musikalische Farben und Texturen. Durch die Hinzufügung von drei einleitenden Sätzen ist das Stück in zehn Abschnitte unterteilt, die mit wenig oder keiner Pause dazwischen aufgeführt werden.

›Der Tenor-Solist fungiert durchgehend als unser Führer durch die himmlischen Hallen und als unser Medium in die Texte des Sohar. In ruhigeren Momenten singt er in einem Stil, der einer Cantillation ähnelt, und verwendet Tonleitern, die auf den traditionellen Ahavah Rabbah, Magein Avot und Adonai basieren Malach-Modi. Der Chor hingegen wird als unzählige Stimmen innerhalb der Struktur des Orchesters vorgestellt, so dass die Musik mit den Klängen der traditionellen Sefirot überlagert ist: Keter, Binah, Chochmah, Da'at, Chesed, Gevurah, Tiferet, Hod, Netzach, Yesod und Malchut. ›Die sieben himmlischen Hallen bilden Teil I von The River of Light, einem groß angelegten mehrsätzigen Zyklus für Chor, Orchester und Solisten. ›The River of Light‹ besteht aus sieben separaten Teilen und handelt von Transzendenz. Es basiert auf den Texten mehrerer Traditionen (Hindu, Christ, Jüdisch, First Nations, Kanadier, Sufi, Maori und Chinesisch), die mystische Reisen zu einem erhabenen Staat beschreiben.

›Vielen Dank an Anton Piatigorksy für die Anpassung der Texte, an Yehoshua Rosenthal in Jerusalem für die Übersetzung und an die Wissenschaftler Daniel Matt (UC Berkeley), Nathan Wolski (Monash University) und Arthur Haberman (York University) für ihre Hilfe bei der Interpretation.‹

Wlad Marhulets: Konzert für Klezmer-Klarinette

›Klezmer-Musik brach in mein Leben ein, als mein Bruder Damian als 16-Jähriger in Danzig, Polen, eine CD einer Band namens Klezmer Madness mit dem Klarinettisten David Krakauer mit nach Hause brachte. Das war Musik, die so kühn war Jüdisch, so voller wilder Energie, dass eine Art Wahnsinn meine Sinne erfasste, als ich es hörte ... Ich beschloss sofort, Musiker zu werden.

So begann die lebenslange Faszination des Komponisten Wlad Marhulets für die Volksmusik seiner jüdischen Herkunft und sein Entschluss, diese Musik auf einer größeren Bühne ans Licht zu bringen. Fünf Jahre später, während seines Studiums in New York City, trafen sich Marhulets und Krakauer schließlich. Das Ergebnis war das Konzert für Klezmer-Klarinette, das 2009 von Krakauer und dem Detroit Symphony Orchestra unter der Leitung von Andrew Litton uraufgeführt wurde. Klezmer (kli-zemer: wörtlich: Gefäß der Musik), ein zusammengesetzter Musikstil, der aus den aschkenasischen jüdischen Traditionen Osteuropas stammt, war weitgehend ungeschrieben und neigte dazu, sich je nach Bedarf an lokale Kontexte anzupassen und zu formen. Die Musik der Klezmorim hatte in der Regel einen feierlichen Zweck und wurde oft bei Hochzeiten und anderen besonderen Anlässen gehört. Die Instrumentierung wurde selten repariert. Im Einklang mit seiner flexiblen Tradition assimilierte das amerikanische Klezmer-Revival des 20. Jahrhunderts Elemente aus Jazz, Funk und sogar Hip Hop. Marhulets folgt diesem Beispiel und bereichert sein polystilistisches Werk mit zeitgenössischen Genres, während er die Form weiter an das symphonische Medium anpasst.

Der energiegeladene erste Satz unterstreicht sofort das virtuose Potenzial der Klarinette durch mehrere Triller und einen speziellen Stil ›gebogener‹ Noten, die die menschliche Stimme hervorrufen sollen. Eine stets bewegliche Orchesterbegleitung sorgt für rhythmische Stabilität, während die Klarinette beharrlich Offbeats betont und eine E-Bassgitarre Elemente des Funk andeutet. Der zweite Satz beginnt mit einer Solo-Klarinettenkadenz. Dezente Streicher erzeugen einen eindringlichen Echoeffekt und führen zum verschwommenen Auftritt des gesamten Orchesters in dieser sepiafarbenen Klage im Nigun-Stil. Eine zweite Solokadenz taucht ohne Pause in den dritten Satz ein, in dem ein einzigartiges, obsessives Motiv wiederholt, transformiert und zu seinem erschöpfenden und virtuosen Abschluss recycelt wird, der das Konzert zu einem flotten Abschluss bringt.

Lukas Foss: Lied der Lieder

Obwohl Lukas Foss (als Lukas Fuchs) in Berlin geboren wurde, gilt er seit langem als eine der versiertesten, vielseitigsten und angesehensten Persönlichkeiten des amerikanischen Musiklebens, vor allem als Komponist, aber auch als Dirigent, Lehrer, Pianist und Verfechter von Musik zeitgenössische Musik und umfassender Sprecher seiner Kunst.

Foss' Familie floh 1933 aus Nazi-Deutschland, zog zunächst für vier Jahre nach Paris und ließ sich dann in den Vereinigten Staaten nieder, wo Lukas 1942 US-amerikanischer Staatsbürger wurde. Bei seiner Ankunft in den USA im Jahr 1937 schrieb er sich im Alter von 15 Jahren an der Schule ein Curtis Institute of Music in Philadelphia, wo zu seinen Lehrern Fritz Reiner (Dirigieren), Isabelle Vengerova (Klavier) sowie Rosario Scalero und Randall Thompson (Komposition) gehörten. Mit 18 Jahren, als die meisten Studenten gerade erst an Hochschulen studieren, hatte Foss bereits seinen Abschluss bei Curtis mit Auszeichnung gemacht. Er setzte seine Ausbildung bei Paul Hindemith an der Yale University und bei Serge Koussevitzky in Tanglewood als Mitglied der ersten Klasse des Berkshire Music Center fort. Foss sah seine erste Komposition im Alter von 15 Jahren bei G. Schirmer veröffentlicht, gewann 1945 ein Guggenheim-Stipendium (der jüngste Komponist, der jemals diese prestigeträchtige Auszeichnung erhielt) und trat mit seiner ersten Komposition die Nachfolge des Komponisten Arnold Schönberg an der University of California in Los Angeles an akademische Ernennung im Jahr 1953. Er begann 1991 an der Boston University zu unterrichten.

Im Laufe seiner über 60-jährigen Karriere beschäftigte sich Foss mit einem vielseitigen Spektrum an Kompositionsstilen, Medien und Ismen, die vom Neobarock bis zu experimentellen Werken reichten. Thomas Clark, der in Contemporary Composers schreibt, fasst Foss' kompositorische Karriere zusammen, indem er feststellt, dass ›jedes Werk farbenfroh, dramatisch, detailreich, einzigartig im Charakter und einzigartig im Fokus‹ ist.

Diese Beschreibung trifft voll und ganz auf ›Song of Songs‹ zu, das zwischen 1946 und 1947 komponiert wurde, als Foss Mitte 20 war, und am 7. März 1947 von niemand geringerem als dem Boston Symphony Orchestra unter der Leitung von Serge Koussevitzky und der Sopranistin Ellabelle Davis als Solistin uraufgeführt wurde. Kussewitzky schätzte das Werk so sehr, dass er es achtmal in neun Tagen in sechs Städten aufführte. Kurz darauf wurde es von den New York Philharmonic unter der Leitung von Leonard Bernstein und der Mezzosopranistin Jennie Tourel als Solistin aufgenommen. Das Werk trägt den Untertitel ›Biblische Suite für Sopran (oder Mezzo) und Orchester‹. Die kurzen Texte stammen aus dem Lied Salomos aus der King-James-Bibel. Hohelied gewann 1957 den prestigeträchtigen Naumburg-Preis. Dieses Werk stammt aus Foss' Frühzeit, als er überwiegend in einem neoklassizistischen Stil schrieb, der seine Liebe zur Musik von Bach und Strawinsky widerspiegelte. Es war die zweite von Foss' zwei biblischen Kantaten (ihr ging 1945 ›The Song of Anguish‹ voraus, das ebenfalls vom Boston Symphony Orchestra uraufgeführt wurde).

Das 25-minütige Werk ist in vier Abschnitte unterteilt. Zuerst folgt eine kurze instrumentale Einleitung im quasi-fugalen Stil, danach setzt die Stimme ein. Der zweite Abschnitt ist eine Da-Capo-Arie (Rückkehr zum Anfang) voller Freude und mit zahlreichen Solos für Holzblasinstrumente. Als nächstes folgt ein unruhiges Rezitativ mit scharfer Harmonie, gekrönt von einem virtuosen Orchester-Nachspiel. Der letzte Abschnitt beginnt ohne Pause, nimmt den Charakter eines innigen Gebets an, das in einem gemessenen Tempo gehalten wird und mit den Worten ›Liebe ist stark wie der Tod‹ endet.

Programmhinweise: Marc Wieser (Current & Marhulets), Robert Markow (Foss)

Der Azrieli-Musikpreis (AMP)

Diese beiden Preise wurden 2014 von Dr. Sharon Azrieli für die Azrieli-Stiftung ins Leben gerufen, um Möglichkeiten für die Schaffung, Aufführung und Würdigung hochwertiger neuer jüdischer Musik zu bieten. Der mit 50.000 US-Dollar dotierte Azrieli-Preis wird alle zwei Jahre an einen Komponisten verliehen, der das beste neue Hauptwerk jüdischer Musik geschrieben hat, während die Azrieli-Kommission die kreative und kritische Auseinandersetzung mit der Frage ›Was ist jüdische Musik?‹ fördert. Eine Auftragsgebühr von 50.000 US-Dollar wird alle zwei Jahre an den Komponisten vergeben, der eine Antwort auf diese Frage vorschlägt, die ein Höchstmaß an Kreativität, Kunstfertigkeit und musikalischer Exzellenz aufweist. Beide Preise stehen Komponisten jeglicher Nationalität, Glaubensrichtung, Herkunft oder Zugehörigkeit uneingeschränkt offen. Die ausgezeichneten Partituren und Vorschläge werden von einem internationalen Expertengremium aus den Bereichen Musikschaffen, Aufführung und Forschung ausgewählt.

Weitere Ziele von AMP bestehen darin, die breite Öffentlichkeit über die universelle Anziehungskraft und künstlerische Bedeutung jüdischer Musik aufzuklären, sei es durch Live-Auftritte, Aufnahmen, Komponistengespräche, Podiumsdiskussionen oder andere damit verbundene Programme.